Serie: Die anlaufenden Filme in deutschen Kinos vom 18. Dezember 2025, Teil 6Michele Salimbeni
Berlin (Weltexpresso) - Lassen Sie uns über die Richtung, den Stil sprechen. Was waren Ihre wichtigsten Entscheidungen hinsichtlich des Bildes und der filmischen Sprache? Wir bemerken eine besondere, fast expressionistische Aufmerksamkeit für den Einsatz von Licht, Schatten und insbesondere reflektiertem Licht...
Über Kino zu sprechen bedeutet, über Schatten und Licht zu sprechen. Kameramann Jonathan Ricquebourg spielte mit Gegensätzen: die Dunkelheit des Vorführraums und der Studiokorridore bei Nacht im Kontrast zu den Lichtern des Sets; die Helligkeit des Berges bei Tag, die Dunkelheit des Berges bei Nacht... Und natürlich gibt es den Kristall, den Jeanne aus dem Mantel der Königin stiehlt, und seine Reflexionen, wie eine Metapher für die Kameralinse, durch die das Licht fällt und mit der sie wie ein Zauberlehrling spielt... Dieser Kristall, der die Macht hat, „das Reich der Königin in seiner ganzen Pracht“, aber auch „tausend andere Königreiche“ zu offenbaren. Er ist eine offensichtliche Metapher für das Wesen des Kinos. Das deutsche expressionistische Kino war während der Vorbereitung eine Referenz. Dennoch spielt HERZ AUS EIS in einer realistischeren Umgebung als meine früheren Filme, in der Jeanne allein das Wunderbare heraufbeschwört. In dieser Hinsicht ist der Film zweifellos näher am poetischen oder magischen Realismus. Ich habe ähnliche stilistische Entscheidungen getroffen wie in meinen früheren Filmen: feste Einstellungen, die Verwendung einer einzigen Brennweite, natürliche Beleuchtung oder die Verwendung von Elementen, die im Dekor vorhanden sind. Nur Dino Dorato hatte das Recht, von diesen Regeln abzuweichen, und er verwendete Kamerafahrten und ein anamorphotisches Objektiv, genau wie es ein Filmemacher aus den 70er Jahren getan hätte!
Und wie sah die Arbeit an den Farben aus?
Wir arbeiteten mit dem Kameramann, der Produktionsdesignerin Julia Irribaria und dem Kostümdesigner Laurence Benoit zusammen und gingen dabei vom Weiß des Schnees – echt oder künstlich – und der Kinoleinwand sowie einer Farbe aus, die natürlich im Kleid der Königin zu finden ist. Im Gegensatz dazu erinnern die Farben der Kostüme der Statist*innen, der Eisläufer*innen, der Filmcrew und der Studioausstattung – insbesondere Cristinas Garderobe mit ihren warmen Braun- und Bronzetönen – an die 70er Jahre. Schließlich haben wir jeder Hauptfigur eine ausdrucksstarke Farbe zugewiesen: ein beunruhigendes Violett für Cristina, Jeannes dramatisches Rot, ein beruhigendes Gelb für Bianca ...
Der Film hat auch eine sehr reichhaltige akustische Landschaft. Wie gehen Sie mit Ton, Musik und Liedern um?
Der Ton ist wirklich die Innerlichkeit der Figuren. Aber anstatt ihn in erster Linie durch Musik wiederzugeben, spielte Ken Yasumoto, der sowohl Toneditor als auch Mischtonmeister des Films ist, mit Soundeffekten, Ambientes, Hall und der Textur der Klänge. Wir haben auch viel mit Stille gearbeitet. Indem wir so weit wie möglich alle störenden Geräusche eliminiert haben, wollten wir auch in den realen Kulissen (der Stadt, dem Studio, dem Berg) ein Gefühl der Entfremdung, der Derealisation erzeugen und den Eindruck einer mentalen, „inneren” Welt vermitteln. Wir haben in der Postproduktion vieles rekonstruiert, sind dabei aber sparsam mit den verwendeten Elementen umgegangen. Gleich zu Beginn der Bearbeitung fragte mich der Cutter Nassim Gordji-Tehrani nach Musik, und auch wenn es am Ende nicht so viel ist, habe ich doch mehr verwendet als in meinen früheren Filmen. Zunächst für Jeannes Motiv einen Auszug aus Messiaens „La Fête des Belles-eaux“, einem Stück, das sowohl melancholisch als auch traumhaft ist und nach den Worten des Komponisten ein Gefühl von „Anmut und Ewigkeit“ vermittelt. Als Erweiterung und um Jeanne während des Abspanns zu begleiten, haben wir einen Auszug aus der „Turangalîla-Symphonie“, ebenfalls von Messiaen, verwendet. In beiden Stücken kommt das Ondes Martenot zum Einsatz, ein frühes elektronisches Instrument, dessen überirdischer Charakter Geister und Träume heraufbeschwört. Das Motiv der Königin, das ihre Macht und Bedrohlichkeit vermitteln soll, verwendet Streicher, die an Ligeti oder sogar Bernard Hermann erinnern, aber vom Musikproduzenten Lexx zeitgemäßer überarbeitet wurden. Wir haben Stücke verwendet, die in die Geschichte integriert sind und die Epoche widerspiegeln, in der der Film spielt: „It’s Five O‘Clock“ von Aphrodite’s Child für die Eislaufbahn sowie italienische und psychedelische Popmusik, die im Radio im Studio zu hören ist. Es ist das erste Mal, dass ich bekannte Songs in einem Film verwendet habe. Ein Song ist wie eine Mini-Geschichte innerhalb einer Geschichte; auch wenn der Text die Handlung des Films nicht wiederholt, spiegelt er sie doch irgendwie wider.
Können Sie etwas über die Bedeutung und Ausdruckskraft der Nahaufnahme sagen?
In HERZ AUS EIS haben wir, wie in allen meinen Filmen, das Cinemascope-Format verwendet, das sowohl Nahaufnahmen als auch Weitwinkelaufnahmen der Landschaften eine echte Ausdruckskraft verleiht. Ich habe zahlreiche Nahaufnahmen des jungen Mädchens verwendet, dessen Blick in gewisser Weise der rote Faden des Films ist.
Jeanne schaut, und wir beobachten sie dabei. Während des gesamten Films lässt uns der Blick des jungen Mädchensdie Idee des Todes wahrnehmen, was mich an die Worte eines Gedichts von Cesare Pavese erinnert: „Der Tod wird kommen und er wird deine Augen haben.“
Neben dem Kino – und sicherlich, weil sie untrennbar miteinander verbunden sind – ist der Tod das andere große Thema des Films. In Andersens Märchen muss das von der Schneekönigin gefangene Kind ein Wort bilden, um sich zu befreien, und dieses Wort lautet „Ewigkeit“. Die Ewigkeit der Bilder, die auf eine weiße Leinwand projiziert werden. Oder um es mit den Worten von Jeanne zu sagen: „Die Königin hat ihr Reich, und es ist für immer da.“ Außerdem erfahren wir im Laufe des Films, dass Jeanne von einer toten Frau heimgesucht wird. Ohne es zu wissen, wird sie ihr begegnen, wenn sie das Kinderheim verlässt. Sie ist es, die sie herbeiruft und in der Schneekönigin findet, die wie ein Geist durch den Film schwebt. Clara Pacini, die Jeanne spielt, ist Studentin am Conservatoire national supérieur d‘arts dramatiques in Paris und hatte vor ihrer Rolle in diesem Film nur einen einzigen Kurzfilm gedreht. Aber während der Castings war ich von der Subtilität ihres Spiels und ihrer Reife fasziniert. Das hat ihr sicherlich dabei geholfen, die unterschiedlichen Gefühlszustände der Figur zu meistern. Ihre Anmut, gepaart mit ihrer Stärke und Entschlossenheit sowie einer unterschwelligen Melancholie, hat mich ebenfalls dazu bewogen, Clara für die Darstellung dieser schwierigen und komplexen Teenagerin auszuwählen: Lügnerin, Diebin, Voyeurin, Manipulatorin... und gleichzeitig absolut aufrichtig und arglos. Generell suche ich bei den Schauspieler*innen in meinen Filmen nach einer Art Innerlichkeit, einer Neutralität. Eher nach einer Präsenz als nach einer Darbietung. Clara besitzt diese Präsenz und diese Innerlichkeit, ganz eindeutig.
Eine weitere wichtige Figur in der Geschichte ist Max, gespielt von August Diehl...
August Diehl ist ein wunderbarer Schauspieler, gleichzeitig verführerisch und verstörend, mit einer starken Ausstrahlung. Ich bin sehr froh, dass er zugestimmt hat, in dem Film mitzuspielen. Obwohl seine Figur nur wenige Szenen hat, gelang es ihm, Max, Cristinas unruhigem Retter, eine beeindruckende Präsenz zu verleihen. Seine Darstellung ist sowohl subtil als auch komplex, und seine Kreativität und sein Engagement sind der Traum eines jeden Regisseurs!
Sind Besessenheit und Opferbereitschaft die Hauptthemen des Films?
Auf jeden Fall. Das sind auch wiederkehrende Themen in Andersens Märchen, die damit keineswegs Geschichten für Kinder sind! Für ihn ist Opferbereitschaft, wie auch im Film, ein intimer Akt, der nicht dazu dient, die Welt oder irgendjemanden zu retten, sondern um einem anderen seine Liebe zu beweisen. In diesem Fall ist es ein Akt, der untrennbar mit Schuld und der Weitergabe von Traumata verbunden ist.
Was die gegenseitige Besessenheit zwischen Jeanne und Cristina sowie die Besessenheit von Bildern angeht, so gehen diese Hand in Hand mit den Themen Verzauberung und der Macht, die die beiden Frauen übereinander ausüben.
Die Landschaft ist ein weiteres wichtiges Element. Der Berg als Echo einer inneren Landschaft.
Die Landschaft, in diesem Fall die Berge und Gletscher, spiegelt die Innerlichkeit der Figuren auf expressionistische oder symbolistische Weise wider: die gefrorene, isolierte und karge mineralische Welt, die Jeanne zu Beginn des Films umgibt; dann ihre weichere, verfeinerte Manifestation in der bemalten Kulisse des Filmsets; und schließlich die geheimnisvollen Höhen, sowohl real als auch künstlich, am Ende des Films, die tief mit Cristina verbunden sind.
Was waren, die wichtigsten Einflüsse auf diesen Film?
Abgesehen von den Filmen von Powell und Pressburger, dem magischen und skulpturalen Aspekt ihrer Arbeit in Filmen wie DIE SCHWARZE NARZISSE, DIE ROTEN SCHUHE oder HOFFMANNS ERZÄHLUNGEN, hatte ich keine genauen bewussten Referenzen, aber ich bin so sehr von bestimmten Filmen geprägt, dass sie HERZ AUS EIS vielleicht heimgesucht haben, ohne dass ich sie heraufbeschworen habe: das italienische Kino der 70er Jahre, angefangen bei Gialli und Fantasyfilmen wegen ihrer Atmosphäre und ihrer Sensationslust, ihrer visuellen Extravaganz und ihrem Geheimnis. Aber auch Hitchcock, Sirk und Fassbinder, jeder auf seine Weise, wegen der Mischung aus Realismus und Künstlichkeit, Schönheit und Grausamkeit. Ein Kino der Faszination und Obsession... Und schließlich ist das klassische japanische Kino von Mizoguchi, Naruse oder Kinoshita für mich äußerst inspirierend in seinen formalen Aspekten (insbesondere der Bildkomposition und dem Schnitt) sowie seiner großartigen Poesie und seiner Suche nach Reinheit. Das ist es, was ich anstreben möchte. Ich suche nach einer Art Minimalismus und arbeite eher durch Weglassen als durch Hinzufügen. In gewisser Weise ein Kino der Destillation.
In Ihren Werken gibt es normalerweise wenig Dialog. Wie ist Ihre Beziehung zum Stummfilm?
Es ist das goldene Zeitalter des Kinos! Eine Ära, in der die Sprache der Filme der Sprache der Träume nahekam.
In Ihren Werken finden sich auch bestimmte Elemente des Slow Cinema, zum Beispiel die feste Kamera. Erkennen Sie sich in dieser Bewegung wieder?
Ich weiß nicht, ob ich Teil einer Bewegung bin, aber tatsächlich finde ich oft mehr Inspiration und Intensität in der Kontemplation als in der Geschwindigkeit. Und ich möchte, dass die Menschen eher fühlen als verstehen. Ich möchte, dass meine Zuschauer wie hypnotisiert die physischen und emotionalen Erfahrungen der Figuren miterleben. Mehr als eine Geschichte zu erzählen, interessiert mich die Schaffung eines Universums, einer Welt, in der der Zuschauer*innen für die Dauer des Films leben kann.
Foto:
©Verleih
Info:
Stab
Regie Lucile Hadžihalilović
Buch. Lucile Hadžihalilović, Geoff Cox
Kamera. Jonathan Ricquebourg
Besetzung
Marion Cotillard. (Cristina).
Clara Pacini(. Jeanne/Bianca).
August Diehl (Max).
Gaspar Noé (Dino).
Marine Gesbert. (Stéphanie)
Lilas-Rose Gilberti
2025 /
Frankreich/Deutschland /
Farbe /
OmU & deutsche Synchronfassung
117 Min. /
Spielfilm / DCP-2K
Abdruck aus dem Presseheft